… A passo di Danza, Organ Music on Dance Themes and Variations (Gaetano Callido Organ 1799 – Candide di Cadore)
• Artist: Christian TARABBIA
• Composers: Antonio Martín y Coll, Antonio Vivaldi, Bernardo Storace, Heinrich Scheidemann, Jan Pieterszoon Sweelinck, Jean-Baptiste Lully, Johann Kaspar Kerll, John Dowland, Juan Bautista José Cabanilles, Samuel Scheidt, William Byrd
• Edition: Da Vinci Classics
• Format: 1 Cd
• Genre: Instrumental
• Instrumentation: Organ
• Period: Baroque
• Publication year: 2024
Il Cadore, per ragioni storiche, ospita un notevole patrimonio organistico: il Cadore ospita oltre 20 organi storici, per lo più dei secoli XVIII e XIX, la maggior parte conservati nello stato originale. I produttori più rappresentati sono quelli veneziani (come Nachini, Callido, De Lorenzi), ma non mancano esempi notevoli anche dalla Lombardia (Aletti), dalle Marche (Gasparrini) e da Roma (Tessicini). Questa collezione, una sorta di tesoro nazionale, tornò alla ribalta negli anni Sessanta grazie alle ricerche pionieristiche di Vanni Giacobbi e Oscar Mischiati, pubblicate sulla rivista “L’Organo”. Da quel momento cruciale, guidato in parte dalla visione di alcuni sacerdoti progressisti, c’è stato un crescente interesse sia nel restaurare che nel mettere in mostra questi strumenti. Nacque così, nell'estate del 1994, il festival “Organi Storici del Cadore”, che in tre decenni ha ospitato centinaia di concerti e realizzato numerosi restauri.
Nel 2001 i fondatori del festival hanno costituito l'Associazione “Organi Storici del Cadore-Dolomiti” con scopi tra cui, ma non solo, sostenere la conservazione, il recupero e il restauro degli organi storici, nonché promuovere la musica organistica attraverso l'organizzazione di concerti. , workshop e conferenze. Attualmente l’Associazione organizza ancora l’annuale festival estivo dedicato agli organi storici, che nel 2023 ha celebrato la sua 30a edizione. Sostiene inoltre la collana di studi “Quaderni di Storia Organaria”, edita da Armelin Edizioni Musicali di Padova (www.armelin.it). , giunto al sesto volume, e una serie discografica dedicata agli organi storici del Cadore. Esistono strumenti musicali praticamente sprovvisti di associazioni extramusicali. Ve ne sono altri che col tempo hanno perso queste associazioni, ed altri ancora che le hanno acquisite. E altri il cui timbro è indissolubilmente legato a determinate situazioni. Esempi della prima categoria sono, ad esempio, il violino o il violoncello, che possono essere impiegati praticamente in tutti i tipi di musica, dal barocco al contemporaneo, dal folk al metal, dal sacro al profano.
Un esempio della seconda categoria è il flauto, disprezzato dai Padri della Chiesa per la sua presenza nelle festività romane e nei culti e culti pagani, ma che ora è neutro come il violino e il violoncello. Un esempio della terza categoria è il sassofono, che era nato come un altro strumento “neutro” ma che attualmente è intensamente legato all'ambito della musica jazz. Ed esempi della quarta categoria sono, ad esempio, le campane delle chiese o i fischietti di latta.
L'organo sembra appartenere a quest'ultimo gruppo, e ciò potrebbe essere dimostrato con un esempio contrario. In termini di produzione del suono, e quindi di timbro, c'è pochissima differenza tra un organo e una fisarmonica. Tuttavia, il suono dell'organo evoca immediatamente associazioni con le chiese, il culto, il sacro, mentre il suono della fisarmonica è normalmente collegato alla musica popolare, alla danza, ecc.
Eppure le cose non sono così semplici come sembrano e, del resto, non è sempre stato così. L'organo è uno strumento antichissimo, che è stato frequentemente utilizzato nel culto dalla stragrande maggioranza delle chiese cristiane (e anche in molte sinagoghe ebraiche), ma che non è affatto confinato tra le mura sacre.
Pertanto, se sembra inappropriato che la musica da ballo venga suonata su un organo durante una cerimonia sacra, non c’è inimicizia tra l’organo e le danze. Esistono inoltre diversi tipi di danze, alcune delle quali suggeriscono un comportamento molto leggero, mentre altre sono eminentemente maestose e solenni. Sotto un certo punto di vista, si potrebbe sostenere che la liturgia stessa abbia una sorta di danza: osservata dall'esterno, presenta numerosi movimenti coordinati e prescritti, alcuni dei quali accompagnati da musica o canto. Nelle chiese ortodosse, i turiboli usati per l'incenso sono provvisti di minuscoli campanelli che formano uno schema ritmico, sul quale si muovono i sacerdoti: e questo è innegabilmente affine alla danza, se non si vuole etichettarla come danza.
Compositori con un indiscusso pedigree di artisti che avevano una profonda esperienza del sacro, come Johann Sebastian Bach, usarono frequentemente ritmi di danza anche nelle loro opere più sacre (anche nelle Passioni!), impiegando deliberatamente i simboli della danza come icone per mistici Amore. In altri casi, ovviamente, la presenza della musica da ballo in chiesa era inappropriata e francamente fonte di distrazione. “Una certa danza” è stata suonata da un organo che accompagnava un cantante solista
un culto pubblico testimoniato dal cardinale Marcello Cervini, che sarebbe poi diventato papa con il nome di Marcello II, e dal cardinale Guglielmo Sirleto (1514–1585): avrebbero commentato che "le anime deboli" avrebbero ricevuto poco aiuto per la loro contrizione dall'ascolto di tale musica . Al contrario, un ecclesiastico italiano del XVI secolo, Bernardino Cirillo, sosteneva che la musica sacra dovrebbe prendere a modello la musica da ballo. Intendeva quel contemporaneo danze aneane, come la Pavane e la Galliard, inevitabilmente muovevano a ballare chi le ascoltava: l'effetto di quei ritmi era quello di “muovere” le persone a passi di danza. La musica sacra, a suo avviso, non è riuscita a fare lo stesso: avrebbe dovuto muovere gli ascoltatori alla compunzione, alla preghiera, alla contemplazione, ma non è stata in grado di produrre tali risultati.
Tutto quanto detto finora ci aiuta quindi a vedere che non esiste alcuna contraddizione tra il suono dell'organo e la musica da ballo, e che esiste una certa permeabilità tra la danza e la sfera del sacro.
Ma questo si basa a sua volta su un presupposto non detto (ma errato), cioè che gli organi siano (esclusivamente) strumenti ecclesiastici. Ancora oggi la maggior parte degli organi si trova nelle chiese, ma non tutti: ce ne sono nelle sale da concerto, nei conservatori e nelle scuole di musica, nelle case private (non molte a dire il vero), e gli organi elettrici sono impiegati nella musica rock e altri generi del tutto estranei al culto.
In passato ciò avveniva ancora più frequentemente, soprattutto perché non bisogna associare immediatamente la parola “organo” a quegli strumenti giganteschi che necessitano di uno spazio molto grande. Esistevano anche organi portativi e positivi, cioè strumenti più piccoli e portatili, il cui suono non avrebbe riempito la navata di una basilica come quello di un grande organo a canne, ma che si adattavano facilmente (sia spazialmente che musicalmente) a contesti più piccoli.
Ciò era particolarmente vero nel caso dei palazzi e degli edifici aristocratici, dove i piccoli organi erano relativamente comuni. Gli organi possono essere considerati come orchestre in miniatura, e uno strumento relativamente piccolo suonato da un singolo individuo potrebbe fornire ore e ore di piacere e varietà musicale, per l'intrattenimento dei suoi ricchi proprietari.
Questo album dei Da Vinci Classics, quindi, è una gradita opportunità per “assaggiare” il suono della musica dance all'organo, e per apprezzare le differenze tra i vari stili di danza, così come la loro congruenza o incongruenza (nelle nostre orecchie moderne) con lo strumento che li suona.
Il primo compositore qui presentato è Antonio Martín y Coll. Era un frate francescano di origini catalane, ammesso giovanissimo nel convento di Alcalá de Henarés, per essere poi inviato a Madrid come organista. Martín y Coll è autore di due trattati sulla teoria musicale, ma è particolarmente noto per il suo Flores de Música, una raccolta di manoscritti in quattro volumi, attualmente conservata presso la Biblioteca Reale di Madrid. Nei primi tre di questi libri, Martín y Coll raccolse opere di alcuni dei maggiori compositori della sua epoca (senza tuttavia indicare la paternità del brano). Sono stati identificati come opere di Cabanilles, Cabezón, Corelli, Frescobaldi e altri – ovviamente, molti sono ancora in attesa di identificazione. Il quarto volume, invece, comprende opere generalmente attribuite a Martín y Coll. Il Bayle del Gran Duque è un pezzo brillante e gioioso associato alla nobiltà. La presenza della danza in questo e negli altri volumi della collezione di Martín y Coll rispecchia, tra gli altri, le interazioni con l’America Latina, favorite dall’andirivieni dei missionari francescani.
Sebbene fosse un laico, William Byrd era probabilmente interessato alla fede quanto i migliori ecclesiastici del suo tempo. Fedele cattolico alla corte di Elisabetta I, Byrd scrisse musica indimenticabile per la comunità cattolica oppressa e per il culto solenne degli anglicani. Ma fu anche un geniale compositore di musica profana, anche se spesso permeata da una sorta di soffusa nostalgia. Una parte di essi è raccolta nel cosiddetto My Ladye Nevells Booke, uno splendido manoscritto attualmente conservato presso la British Library e appartenuto per secoli alla famiglia Neville. La sua dedicataria era probabilmente Elizabeth Bacon, che più tardi sposò Sir Henry Neville di Billingbear House, nel Berkshire. Alcuni brani portano l'etichetta “my ladye nevell” nel titolo (come accade con il primo, qui registrato) e probabilmente sono stati scritti appositamente per lei; altri sono stati probabilmente raccolti da composizioni precedenti. “Ground” si riferisce ad uno schema che si trova nella linea di basso, e che è una caratteristica anche di danze come la passacaglia o la ciaccona.
Juan Bautista José Cabanilles fu organista della Cattedrale di Valencia e tre anni dopo aver ottenuto quell'incarico fu ordinato sacerdote. La sua eredità è ricca di opere per tastiera, alcune delle quali tipiche della tradizione spagnola, altre in consonanza con le coeve tradizioni europee. La sua Corrente Italiana è tipica di questo approccio internazionale, in quanto ripropone i tropi dell'approccio contemporaneo alla danza con un occhio a quelli che considerava i tratti “italiani” di questa danza specifica.
Con Kerll ci spostiamo al nord, anche se questo compositore tedesco viaggiò molto e studiò anche a Roma, con Giacomo Carissimi. Discendeva e continuava un'augusta stirpe di musicisti, molti dei quali furono influenzati, direttamente o indirettamente, da lui. Si sa poco del suo studenti “ufficiali” (molto probabilmente Agostino Steffani, forse Johann Joseph Fux); ma è accertato che le sue opere furono apprezzate e studiate da alcuni dei più grandi compositori venuti dopo di lui (tra cui Bach e Händel). La sua Passacaglia è tra le sue opere più note ed è Uno splendido intreccio tra l'atmosfera della danza di corte e il linguaggio dotto della variazione e del contrappunto.
Heinrich Scheidemann era un organista tedesco, che aveva studiato con Sweelinck (un altro dei compositori qui presenti). A differenza di altri grandi musicisti del suo tempo, Scheidemann si concentrò innanzitutto sulla musica d'organo; fu molto apprezzato dai suoi contemporanei, che lo copiarono ampiamente e quindi lo trasmisero abbondantemente. La sua Galliarda esemplifica bene la vivacità della sua invenzione e la sua freschezza, insieme alla solida maestria che questo musicista poteva vantare nel trattamento della forma.
Il manoscritto di Susanne van Soldt è noto dal nome della sua (presunta) compilatrice, una sedicenne di Anversa che pare fuggì a Londra in un periodo di persecuzioni religiose. Lei (o i suoi genitori) hanno copiato un repertorio relativamente ampio (33 brani) in cui sacro e secolare, ancora una volta, si intrecciano. Opere basate sui toni del salmo, che venivano usate per “rinfrescare lo spirito” e per stimolare una sorta di contemplazione nella musica, si trovano accanto ad opere più leggere. Questa raccolta rappresenta quindi bene il repertorio di una famiglia borghese colta e il tipo di musica che amava.
L'Alamanda (“Allemande”) detto Bruynsmedelijn era conosciuto in Italia come il “Basso Fiammingo”, ed era stato impiegato anche da Frescobaldi nel suo “Capriccio sopra la Bassa Fiamenga”. Ascoltiamo una versione di questo noto modello in un'ambientazione di un altro dei grandi compositori tedeschi del barocco, Samuel Scheidt.
L'identificazione tra John Dowland e “tears” è così marcata che a volte il compositore firmava le carte come “Dolandi” “delle lacrime”. Raccolse sette pavane, chiamate Lachrimae, o Sette Teares, tutte basate sul tema delle Lachrimae Pavane, originariamente per liuto con una linea melodica aggiunta cantata come Scorri le mie lacrime. Dowland, che amava questa associazione con il pianto, si faceva chiamare Semper Dowland, semper dolens; qui sperimentiamo che danza e gioia non vanno per forza di pari passo.
Completano questo album altri lavori, tra cui un brano di Bernardo Storace, di cui sappiamo solo quanto dice nelle sue opere pubblicate, la Selva di varie composizioni; sembra che sia stato influenzato da Frescobaldi, soprattutto per quanto riguarda la scelta dei generi che comprende brani di un genere non spesso praticato dai contemporanei italiani. Segue poi un'altra serie di variazioni su un altro tema “triste”: La mia giovane vita ha un finale, è la traduzione del tema su cui il grande Sweelinck, forse il più grande organista e compositore olandese, scrisse una bellissima serie di variazioni. C’è la grande Ciaccona tratta dal Phaéton di Lully. Osserviamo qui un concetto di danza così nobile ed elevato che difficilmente potrebbe ritenersi eccezzionale anche in un contesto sacro. La solennità e la compostezza di questa maestosa danza, basata ancora una volta su un basso ripetuto, sono tali da incarnare l'essenza stessa del barocco musicale. Accanto al pezzo di Lully troviamo quello che probabilmente è il basso più noto del Barocco, il Folias o Follia, qui impiegato da un altro ecclesiastico, Antonio Vivaldi, come base di una delle sue Sonate più belle e avvincenti.
Chiara Bertoglio © 2024
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